На выставке представлены более 60 художников, работавших за семь десятилетий. произведения отражают общественно-политический и художественный периоды их создания. Принимая новые идеи и выражения, искусство коренных американцев продолжает развиваться, при этом признанные, начинающие и недостаточно признанные художники делятся своим уникальным видением художественной самобытности коренных народов. На выставке будут представлены художники, упомянутые ниже, а полный список художников приведен ниже.
Кара Ромеро, выдающийся современный художник-фотограф родом из Чемеуэви.
В настоящее время Ромеро живет в Санта-Фе, штат Нью-Мексико, и связь с Юго-Западом глубоко влияет на его работу. В экспозицию включен один из его самых впечатляющих шедевров, «Память воды», в невиданном ранее формате: монументальное произведение размером 78 x 78 дюймов, тираж 1 экземпляр. духовность и окружающая среда. Яркое изображение можно интерпретировать как метафору погружения в знания предков и сохранения культурного наследия, несмотря на внешнее давление и социальные изменения. Память воды можно найти в постоянных коллекциях Метрополитен-музея, Музея Отри, LACMA, Художественного музея Палм-Спрингс, Смитсоновского института NMAI, Музея Худа, Музея американского искусства Амона Картера, Художественного музея Монклера, Музея искусств и Индийская культура и среди важных частных коллекций.
Жон Быстрый-видеть Смит, гражданин Конфедерации Салиш и Кутенай, является новатором в современном индейском искусстве.
Долгая и престижная карьера Quick-to-See Смита в последние годы пережила взрывной рост. Недавно весной 2023 года деятельность художника привела к знаменитой персональной ретроспективе в Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке. первая выставка современного искусства коренных американцев в учреждении за 70 лет. В своей главной работе под названием «Мое сердце принадлежит папе» художник раскапывает прошлое посредством живописи, смешанной техники и коллажа. «Мое сердце принадлежит папе» — трогательная и заставляющая задуматься критика культурного присвоения, а не аккультурации и коммодификации образов коренных американцев.
Мари Ватт наполняет свои творческие усилия сильным чувством общности, наследия и рассказывания историй.
Выросшая на северо-западе Тихого океана, Уотт опирается на точку зрения коренных народов и личный опыт для создания искусства, которое устраняет разрыв между традициями и современным выражением. Ее работы охватывают широкий спектр сред, включая скульптуру, инсталляцию и, в частности, крупномасштабный текстиль, который служит сосудом для коллективной памяти и культурных повествований. Основная работа Уотта 2014 года «Трек (Плеяды)» является монументальным свидетельством силы повествовательного сообщества. Посредством тщательной вышивки художник объединяет разрозненные предметы с элементами, имеющими историческое и символическое значение. Использование ею одеял имеет культурное значение, символизируя тепло, комфорт и межличностные связи внутри общин коренных народов. На протяжении всего роста Уотт в мире искусства, отмеченного многочисленными наградами и выставками в престижных галереях и музеях, она остается глубоко привязанной к своему сообществу. Уотт участвует в общественных проектах, семинарах и образовательных инициативах с целью расширить культурные перспективы коренных народов и расширить возможности следующего поколения художников.
Матриархальный художник навахо Кэлвин Тони
Художник навахо Кэлвин Тони родился в 1987 году в Форт-Дефианс, штат Аризона, в настоящее время проживает и работает недалеко от Салины, штат Аризона. Она происходит из длинного и богатого рода матриархальных художников. Бабушка Тони (Бет Битсуи), мать и тетя — известные ткачи. Именно у этих женщин она оттачивала свое мастерство ткачества. Жон Смит Быстрый просмотр «Мое сердце принадлежит папе», 1998 г. 60 x 50 дюймов Мария Уотт Треккинг («Плеяды»), 2014 г. 76 x 118 дюймов Кальвино Тони Безымянная ткань с красным фоном, 2022 г. 101,5 x 69,5 дюймов Необыкновенные ткани Конец 2019 века, особенно текстиль с использованием навахо Яркие ткани, пряжа Germantown очень вдохновили Тони. В XNUMX году он провел встречу с художником из Санта-Фе Кеном Уильямсом-младшим по поручению создать очень красочную работу и гарантировать, что последующие плетения Тони будут представлять собой буйство красок, бесстрашно применяемых. Тони рассматривает свой текстиль как картины, и на него оказали огромное влияние, начиная от итальянских архитекторов эпохи Возрождения и модернизма, Джексона Поллока, Жана-Мишеля Баския, Фаберже и знаменитого гончара хопи Нампейо. Его крупномасштабные работы, подобные тем, что представлены на выставке, соответствуют амбициям Тони представлять и выражать сложные, всеобъемлющие замыслы.
Чарльз Лолома — один из самых известных и влиятельных индейских художников Америки.
Его проекты, которых часто называют крестным отцом современных индейских украшений, были вдохновлены иконографией его племенного церемониала, а также культурным происхождением хопи, живущих в засушливой пустыне северной Аризоны. Предметы Лоломы, тщательно собираемые ею, представлены в крупных учреждениях и были частью престижных коллекций покойной г-жи Дуайта Д. Эйзенхауэра, Фрэнка Ллойда Райта, Линдона Б. Джонсона и королевы Дании, среди многих других. Инновации Лоломы в этой области задали тон местным ювелирным украшениям конца 18-го и начала XNUMX-го веков. На этой выставке представлено одно из его самых важных и известных творений — кулон Lander из XNUMX-каратного золота и бирюзового цвета. Эта бирюза — один из крупнейших драгоценных камней высочайшего качества, добываемый на одной из самых редких бирюзовых рудников в мире. Камень был выбран и тщательно вырезан вручную Лоломой, чтобы изобразить портрет священной кукурузной девушки хопи. Сама девушка представляет собой уникальное воплощение, созданное путем заливки расплавленного золота в форму, выполненную из туфа — традиционная практика, используемая в ювелирных изделиях коренных американцев.
Николас Галанин — художник-концептуалист, работающий в своей студии в Ситке, Аляска.
Его практика охватывает широкий спектр средств массовой информации, которые исследуют и ведут диалог об идеях земли, идентичности, репатриации, культурной аутентичности, вымирания, технологий, а также часто контрастирующих взаимодействий и восприятий между коренными и англосаксонскими культурами. Работа Галанина призывает учреждения пересмотреть свою роль в рассказывании историй коренных народов. Галанин — один из самых уважаемых современных индейских художников. Его работы экспонируются во многих музеях и частных коллекциях, таких как Национальная галерея Канады, SITE Santa Fe, Денверский художественный музей, Национальный музей американских индейцев и Национальная галерея в Вашингтоне, округ Колумбия. Вознесение, лестница, украшенная крыльями, сочетающими потребительские образы и местные символы, воплощает в своей форме различные интерпретации. По мнению художника, «вознестись — значит подняться на важное положение и относится к христианской вере в вознесение Христа на небо после воскресения. В этом свете скульптура является своего рода линзой для рассмотрения того, как культура коренных народов превращается в инструмент для скалолазания, особенно теми, кто не является ее частью».
Крейг Джордж и племенные связи
Крейг Джордж строит свои повествования в контексте городской жизни, поднимая вопросы об ассимиляции, колонизации и устойчивом выживании, что подчеркивает его связь с богатыми племенными источниками. Однако Джордж вырос в резервации навахо из-за Закона о переселении индейцев навахо 1956 года, согласно которому его семья была переселена в Лос-Анджелес. Летом он воссоединился со своей родиной и перспективами традиционной жизни. Многие картины Джорджа отражают его отношения с конкретными районами Лос-Анджелеса, в которых он изображает это место. Карло Лолома Хопи из 14-каратного золота, отлитого из туфа. Девичья подвеска, 1974 г. 5 x 2 x 1 дюйм. Никола Галанин Вознесение, 2022 г. 72,5 x 52 7,8 x 53 дюймы С разрешения художника и галереи Питера Блюма, Нью-Йорк. Крейг Джордж Фридом, 2023 г. 24 x 36 дюймов. Городской пейзаж, озвученный хип-хопом, джентрификацией и красочной городской окраиной центра Лос-Анджелеса – улицы, отмеченные народными территориальными граффити. Его фигуры, часто на велосипедах, всегда находятся в движении, словно едут на церемонию, одетые в обычную одежду. Навахо, апачи и пуэбло были частью его общины. Он стремился сблизиться со своей родиной, несмотря на то, что жил в хаосе бесконечной городской экспансии. По словам художника: «Я объединяю свои миры в одном месте, где я нахожусь в мире со своими убеждениями и своим окружением. Дом — это место, куда вы приносите свои убеждения, поэтому они всегда будут там». Многие из его представленных работ были созданы для этой выставки, его первой в Нью-Йорке.
Майкл Каботи был художником, серебряным мастером, скульптором и поэтом хопи.
Его отец, Фред Каботи, также был всемирно известным художником. Каботи вырос в деревне Шонгопови, штат Аризона, однако, когда закрылась средняя школа резервации хопи, он переехал и в 1961 году окончил индейскую школу Хаскелл в Лоуренсе, штат Канзас. В 1967 году Каботи был инициирован в Общество хопи вувуцим. Во время этой церемонии ему было присвоено имя хопи Ломавивеса («Хождение в гармонии»), которым он позже подписал свою работу. Каботи присоединился к четырем другим художникам хопи в начале 70-х годов, чтобы основать группу под названием Artist Hopid, занимающуюся новыми переводами форм искусства хопи и выступающую культурными посланниками по всему миру. Он читал лекции и широко выставлялся как в Америке, так и за рубежом. Динамично составленные и богато окрашенные картины Каботи свидетельствуют о его страсти к изображениям, заимствованным из фресок хопи-кива, мотивов плетения, а также абстрактных и современных дизайнов. Медитация прекрасно воплощает в себе плавную интеграцию абстрактных и репрезентативных элементов Кэботи. Сильно стилизованная, на вид кубистическая фигура, смешанная с традиционными мотивами и узорами хопи. Каботи, представитель его самых самобытных и визуально привлекательных работ, использует цвет дерзко, творчески и выразительно.
Сара Сенс творит на исконных землях
Сара Сэнс (Читимача и Чокто) родом из Сакраменто, Калифорния, получила степень бакалавра изящных искусств в Университете штата Калифорния в Чико и степень магистра изящных искусств в Новой школе дизайна Парсонс в Нью-Йорке. Ее ранние работы, выполненные с помощью фотоплетения (с использованием традиционных техник и узоров семейного плетения корзин), основаны на пейзажах Читимача в Луизиане и голливудских интерпретациях коренных народов Северной Америки. Впоследствии его работа отразила его обширные исследования, резидентуры и путешествия по Южной Америке, Юго-Восточной Азии, Карибскому региону и Ирландии. Работы из серии Sense «Хинуши» состоят из серии пейзажных фотографий исконных земель, объединенных с колониальными картами реки Миссисипи, Мексиканского залива и местности чокто. После изгнания со своей исконной земли чокто предстояли трудный и смертельный путь к «индианству». Территория» – ныне известная как Оклахома. Карты Oil News (1920 г.) с изображением пейзажей Брокен-Боу и Оклахомы вплетены в произведения искусства. Эти карты и изображения вплетены в узоры плетения чокто, объединяя землю с колониальными картами в качестве акта мелиорации. Как утверждает Sense: «Разрезание бумаги на полоски и раскрытие их, раздвигание их, чтобы создать пространство для различных интерпретаций, и повторная вставка моделей коренных народов из тех же мест, где жили предки, были удалены, взяты и убиты, — это процесс деколонизации». Визуально и концептуально привлекательные, они являются выражением глубоко личного, но универсально применимого путешествия открытий, откровений и примирения.
