Что вдохновило вас на создание произведений искусства и на то, чтобы стать художником? (события, чувства, переживания…)
Моя личная художественная деятельность начинается в возрасте пяти лет. Мое первое серьезное художественное влияние было открытием в возрасте около четырнадцати лет кино нового Голливуда. Просмотр этих фильмов был значительным эстетическим шоком, потому что их работа была тематически сложной, формально новаторской, морально неоднозначной и богатой мифологическим резонансом. Новый Голливуд стал свидетелем рождения некоторых из величайших режиссеров и величайших произведений в истории кино, где безнравственность и крайняя жестокость, ранее запрещенные кодексом Хейса, переплетаются в сумерках и отчаянных историях. Неоднозначность, реалистичный взгляд на людей и их проблемы, готовность исследовать глубины человеческой души и использование антигероев — темы, которые выделяются в моих живописных работах.
Каков ваш художественный опыт, техники и темы, с которыми вы экспериментировали до сих пор?
Сначала я был скорее рисовальщиком, чем живописцем, потом экспериментировал с акриловой краской, которую не оценил (быстросохнущая, отсутствие нюансов и т.д.). Я открыл для себя масляную живопись и ее секреты в 2010 году, я сразу убедился, что эта техника послужит моей цели. Я также очень ценю сухую пастель, которая также позволяет мне передать холодную атмосферу, которая мне нравится.
Какие 3 аспекта отличают вас от других художников, делая вашу работу уникальной?
— Стремление производить не модную работу, а работу вне времени.
— Я предлагаю провести диагностику современного человека, исследуя как можно больше его сильных и слабых сторон.
— Я держу очень высокий уровень требований, чтобы производить освоенные и актуальные работы.
Откуда приходит ваше вдохновение?
История живописи с мастерами жанра (Вермеер, Рембрандт, Ван Эйк, Да Винчи, Боттичелли, Рафаэль, Караваджо, Джорджоне, Пуссен, Давид, Мунк, Мане, Хаммершой), кино и поэзия 14 века.
Каков ваш художественный подход? Какие видения, ощущения или чувства вы хотите вызвать у зрителя?
Я развиваю концепцию «тихой живописи» через масляную живопись. Понятие «немой» живописи — это попытка материализовать тишину с помощью медиума, появившегося в 15 веке. Цель состоит в том, чтобы создать комбинацию эстетических решений, чтобы создать застойную атмосферу, в которой время кажется остановленным. Ограниченная цветовая палитра, современные руины как образ ментального пространства человека и неодушевленные предметы, такие как автоматы, куклы и восковые фигуры, являются основными составляющими.
Комбинация этих различных элементов имеет тенденцию приближаться к концепции «тревожной странности», теоретизированной Зигмундом Фрейдом в 1919 году. Действительно, безмолвная живопись — это структура, созданная для объяснения глубин человеческой души. Странное, этимологически внешнее, незнакомое может относиться и к тому, что скрыто в глубине. Моя работа — это своего рода вскрытие человеческой психики — тишина как звуковое состояние, тишина как медитация, тишина как боль. Живопись как выражение, живопись как убеждение, живопись как страсть.
Каков процесс создания ваших работ? Спонтанно или с длительным подготовительным процессом (техническим, вдохновением от классиков искусства или др.)?
Я думаю, что художник — это переводчик мысли. Писатель накладывает слова на мысли, художник переводит ему эти мысли через образы. Он пытается превратить в видимое и осязаемое представление скрытую в нас тайную надпись. Это вопрос перевода образа, заякоренного глубоко внутри человека, чтобы сделать его максимально эффективным. Художник использует множество имеющихся в его распоряжении инструментов (организация и композиция изображения, хроматический выбор, размещение и точный выбор различных элементов, составляющих холст), чтобы отразить свои мысли. Это постоянное движение туда-сюда между душой и рукой художника.
Творчество — сложный и нерегулярный процесс, который может вызвать у художника большое разочарование, если ему не удастся воплотить свои идеи так, как он себе это представлял в самом начале. Кажется, что самое сложное — это максимально очевидно сопоставить содержание (идеи, чувства, воспоминания) и форму. В идеале было бы создать как можно более «плавную» работу, где долгие часы работы не отображаются на изображении. Между первоначальной идеей, этой ментальной вещью (идеей, мгновением, запечатлевшимся в нашей памяти как довольно аморфное и инертное воспоминание, лишенное структуры, подобно призраку), всегда существует разрыв и конкретным объектом, произведенным впоследствии, что объясняет, почему всегда существует своего рода разочарование, расстройство после завершения проекта. Это борьба с материалом, чтобы освоить его и довести до полного воплощения идеи, которая воодушевляла художника в его самом первом вдохновении.
Реализация картины или скульптуры требует большой концентрации, а также постоянного участия, это не забава или что-то легкомысленное, наоборот, вы должны дорого продать свою шкуру, чтобы добиться успеха. к производству пластика. В своей живописи я стараюсь никогда не быть слишком дидактичным, потому что мне кажется, что диалог между творцом и получателем произведения прежде всего богат тем, что не сказано, что неизвестно. Зритель подталкивается к собственному размышлению, если не подвергается готовым выводам художника. Кроме того, вдохновение приходит не по волшебству, а через работу, поэтому предмет картины должен созреть во мне, как вынашивание ребенка до родов.
Работа — результат длительного процесса размышлений, анализов и открытий, это сложное начинание и путь, усеянный подводными камнями. Каждая картина представляет собой сдачу экзамена на мое право творить, встреча с чистым холстом — это вызов, который нужно преодолевать с каждым новым творением. Терзаемый сомнениями и сталкивающийся с множеством вопросов: правильный ли я сделал выбор? Подходит ли композиция для моего предмета? Пройду ли я технически эту часть лица? Смогу ли я правильно отрендерить этот свет? Процесс художественного творчества — это своего рода мучительное рождение.
Используете ли вы определенную технику работы? если да, то можете объяснить?
В своей работе я слежу за тем, чтобы живописный штрих не воспринимался, он оставался отстраненным от предмета. В идеале заставить людей забыть о присутствии художника, чтобы зритель видел только объекты. И наоборот, Рембрандт, например, стремится сделать линию своей кисти видимой и создать эффект пастозности. Как и у Вермеера, мои картины всегда расположены в интерьерах, где я уделяю особое внимание свету и теням, потому что это два фактора, которые позволят мне воплотить это измученное ментальное пространство, это вопрос нахождения правильного баланса между тенью и светом, поэтому все заключается в освещении или в его отсутствии.
Скульптура теней светом — основополагающий этап в моей работе, именно он позволит наглядно воплотить противоречия человека. Этот способ моделирования тьмы и света в моих картинах направлен на то, чтобы дать глазу отношение оппозиции, визуальный конфликт между светом и тьмой. Он здесь не для того, чтобы перевести молчание, а чтобы символизировать двойственность и парадоксы человеческого существа. С одной стороны фигуры, смоделированные в тенях, связанные с темной стороной человеческого существования, а с другой — картины заброшенных зданий. В моих картинах заброшенных зданий есть видимый контраст между темнотой внутри и яркостью снаружи, чтобы показать противопоставление двух миров.
Есть ли какие-то новаторские аспекты в вашей работе? Можете ли вы сказать нам, какие?
Я думаю, что факт переноса лиц моделей на манекены может стать новаторским аспектом в моей работе. Это приводит к истончению границы между живым и неживым, истинным и ложным, что создает путаницу у зрителя. Есть желание инсценировать двойственность, человека и его двойника, подражание самому себе. Теперь с ним конкурирует бестелесная версия. Эти фиктивные существа представляют собой ментальную проекцию его бессознательного. С выбором конкретной цветовой палитры этот выбор позволяет мне передать двусмысленность, потому что действительно, если Человеческий дух тревожит, таинственно завораживает, моя картина должна быть его отражением: тревожным, таинственным и завораживающим.
Есть ли у вас формат или среда, которые вам наиболее удобны? если да, то почему?
Традиционное льняное полотно, для этих качеств долговечное. Я рисую, как голландские мастера золотого века, такие как Вермеер, Рембрандт, Ван Дейк или Франс ван Миерис. Я покрываю льняной холст несколькими слоями гипса, затем постепенно шлифую очень мелкой наждачной бумагой, чтобы усовершенствовать работу и получить как можно более совершенную поверхность. Композиция и рисунок сначала были начерчены сухим графитным карандашом.
Затем рисунок подкрашивается «соком» жженой умбры, разбавленной скипидаром. Этот слой имеет первостепенное значение. Используя предыдущий «сок», рисунок подготавливает глаз к предмету, готовя «хватку» следующих слоев, он питает холст. Это также позволяет рисовать жирным на худом, а это значит, что нужно рисовать краской, которая становится все более жирной и богатой маслом, а потому все менее и менее разбавленной. Этот существенный принцип позволяет избежать всех трещин последовательных слоев.
Затем наступает так называемый этап «полупасты», который заключается в раскрашивании картинки путем работы над текстурами и переходами. Как только это будет закончено, я использую важный для меня шаг: глазурь. Чтобы выделить свет и окутать фигуры глубокими тенями, будет использовано несколько слоев полупрозрачной краски. Мои глазури нанесены жирным средством по традиции живописцев «тонкого пути».
Где вы производите свои работы? Дома, в общей мастерской или в собственной мастерской? И в этом пространстве как вы организуете свою творческую работу?
Я рисую дома, в комнате, переоборудованной под студию. В основном я работаю поздно вечером и до поздней ночи.
Ваша работа заставляет вас путешествовать для знакомства с новыми коллекционерами, для участия в ярмарках или выставках? Если да, то что это вам приносит?
Я начал выставлять свои работы в 2009 году на небольших провинциальных выставках. Впоследствии выставки были связаны по всей Франции (Жювиньяк, Монпелье, Мант-ла-Жоли, Париж, Лион, Монако), а затем и за границей (Рим, Лондон, Нью-Йорк).
Мои работы также отмечены наградами на международных художественных конкурсах (• Приз за живопись — Салон искусств Graveson 2017 • Приз жюри «Фаворит» — 35-й Региональный салон художников де Жювиньяк 2019 • Гран-при Arbustes — Международный салон искусства де Мант-Ла-Жоли 2020 • Финалист Международного художественного конкурса MALAMEGI LAB 16 – Рим, октябрь 2020 г. • Финалист 35-го Международного художественного конкурса «The Chelsea International Fine Art Competition», организованного галереей Agora, Нью-Йорк, 2021 г. • Финалист международного художественного конкурса «Artists to Follow in 2021» США 2021• Финалист международного художественного конкурса «Boynes Emerging Artist Award» Австралия 2021 • Финалист международного художественного конкурса «Art Gemini Prize» с выставкой в Лондоне в «Exhibitionist Hotel» Сентябрь 2021 • Друзья Премия Осеннего салона в разделе «Кусты» — Осенний салон — Париж, октябрь 2021 г. • Вермейская медаль — Академия искусств, наук и литературы — Париж, октябрь 2022 г.)
Поддержка со стороны коллекционеров начинает расти, что позволит мне в дальнейшем реализовывать более амбициозные проекты.
Как вы представляете эволюцию вашей работы и карьеры художника в будущем?
Что касается моей работы, я буду продолжать развивать эту концепцию немой живописи. Что касается моей карьеры, я надеюсь найти покровителей и галереи, которые смогут защитить мою картину.
Какова тема, стиль или техника вашего последнего художественного произведения?
Это картина маслом под названием «Голубая пустыня», которая соответствует моему стилю, то есть исследование психики человека, стремящегося понять, кто он такой. Я попробовал что-то новое в этой картине, мне показалось, что то, что делает людей абсолютно уникальными, это их отпечатки пальцев. На этой картине позировавшая женщина тоже оставила на картине свои настоящие следы, как свидетельство, доказательство своей уникальности.
Расскажите о своем самом важном выставочном опыте?
Я имел удовольствие выставляться в престижном клубе Salmagundi в Нью-Йорке, который является Меккой фигуративного искусства в Соединенных Штатах. Эта выставка позволила мне оценить мою работу с другими признанными художниками со всего мира, что вдохновило меня продолжать идти по этому пути.
Если бы вы могли создать известное произведение в истории искусства, какое бы вы выбрали? И почему ?
«Супруги Арфнольфини» Яна Ван Эйка (1434 г.), потому что это произведение даже сегодня сохраняет глубокую тайну и множество интерпретаций. Это настоящее проявление силы произведений Ван Эйка как по существу, так и по форме.
Если бы вы могли пригласить одного известного артиста (умершего или живого) на ужин, кто бы это был? Как бы вы предложили ему провести вечер?
Я думаю, что выберу Вермеера, мы обсудим его видение мира и искусства за хорошей едой.
