ЛУННЫЙ ЛУЧ (2020)Картина Адель Мошони
Исследование современного ядра Венецианской биеннале 2024: углубленный взгляд на центральные темы
60-я Венецианская биеннале искусств под названием «Повсюду незнакомцы» черпает вдохновение из серии работ, созданных коллективом Клэр Фонтейн с 2004 года. Эти работы представляют собой неоновые скульптуры разных цветов, на которых в нескольких вариантах отображается фраза «Повсюду незнакомцы». языков, воплощают центральные темы выставки. Эта фраза, первоначально принятая туринским коллективом по борьбе с расизмом и ксенофобией в начале 2000-х годов в Италии, закладывает основу для исследования глобальных кризисов, возникающих в результате войн и перемещения людей через страны, территории и границы. Подобные мероприятия подчеркивают опасности и проблемы, связанные с языком, переводом, национальностью и различиями, определяемыми идентичностью, расой, полом, сексуальностью, свободой и богатством.
Таким образом, «Повсюду незнакомцы» перекликаются с множеством значений, предполагая, что куда бы человек ни пошел, он неизбежно встретит незнакомцев, что, в свою очередь, подчеркивает вездесущность концепции странности. Это также подразумевает, что, независимо от положения, в каждом человеке сохраняется внутренняя чужеродность.
На венецианской выставке представлен 331 художник и коллектив, которые жили или живут в 80 странах, включая Гонконг, Палестину и Пуэрто-Рико. Их разнообразное участие подчеркивает миграционный характер художников по разным причинам. Основное внимание Венецианской биеннале 2024 года действительно уделяется художникам-иностранцам, иммигрантам, эмигрантам, членам диаспоры, изгнанникам или беженцам, особенно тем, кто перемещается между глобальным Югом и Севером.
Кроме того, термины «иностранец» на разных языках — итальянском «straniero», португальском «estrangeiro», французском «étranger» и испанском «extranjero» — этимологически связаны с понятием «странный». Следовательно, выставка также углубляется в создание смежных тем, а именно: квир-художника, который ориентируется в различных сексуальностях и гендерах, часто преследуемых или маргинализируемых; художник-аутсайдер, находящийся на периферии мира искусства, например, самоучка, народный или популярный художник; и художник из числа коренных народов, к которому на своей земле часто относятся как к иностранцу. Эти четыре группы составляют ядро «Современного ядра» выставки.
Наконец, важно уточнить, что Венецианская биеннале искусств 2024 года также включает в себя «Историческое ядро», целью которого является сбор произведений XX века из Латинской Америки, Африки, Ближнего Востока и Азии. Он представляет собой спекулятивное кураторское упражнение, которое бросает вызов границам и определениям модернизма с помощью таких разделов, как «Абстракции и портреты в Центральном павильоне Джардини» и «Повсюду итальянцы» в Кордери Арсенала. Вышеупомянутая договоренность подчеркивает менее известные истории модернизма Глобального Юга, подчеркивая необходимость больше узнать об этих нарративах и на их основе.
Теперь, наконец, настала очередь художников Artmajeur, которые, в соответствии с темами современного ядра Венецианской биеннале, будут признаны представителями аутсайдерского искусства, квир-арта, народного искусства и художественных нарративов против расизма.
РОДНЫЕ (2022)Картина Никкуру
Нестандартные голоса: Художники-аутсайдеры Artmajeur
Что такое аутсайдерское искусство?
Аутсайдерское искусство, первоначально названное художником Жаном Дюбюффе «Арт Брют», относится к форме творчества, возникающей за пределами официальной культуры. Действительно, французский мастер сосредоточил особое внимание на творчестве тех, кто либо не получил формального образования, либо исключен из основного мира искусства. В этом смысле этот термин охватывает работы художников, которые часто работают изолированно и без какой-либо связи с традиционной арт-сценой. Отсюда следует, что Дюбюффе восхищался этим типом художественного творчества за его грубое и непосредственное качество, которое, по его мнению, не было затронуто культурными и художественными условностями.
Аутсайдерское искусство часто исходит от творцов, которые испытывают глубокий и почти откровенный импульс к творчеству, рассматриваемый ими как личная необходимость, а не как профессиональная или коммерческая деятельность. Эти художники, как правило, самоучки, и их работы часто исследуют сложные личные видения, отражающие глубокие внутренние эмоции или мысли, иногда воспринимаемые как механизм преодоления индивидуальных или психических конфликтов. Таким образом, создаваемое искусство может быть очень личным и характеризоваться повторяющимися узорами или нетрадиционными материалами, что свидетельствует о глубоком взаимодействии с выбранной средой.
Духовность и религия также существенно влияют на многих художников-аутсайдеров, включая элементы, которые предполагают связь с миром за пределами видимого и выражают идеи, которые находят отклик на универсальном уровне, несмотря на их сугубо личное происхождение.
Наконец, с историко-художественной точки зрения, эту форму искусства можно рассматривать рядом с такими движениями, как сюрреализм в его исследовании подсознания и использовании абстрактных или фантастических образов, хотя она остается отдельной из-за незаинтересованности ее создателей в арт-рынке или общественное признание.
«J’AI REGARDÉ LE SOLEIL» (2024) Картина Марка Э. Де Розье
SCONVOLGI LA TUA REALTÀ (2024)Картина Бразо
Некоторые сторонние художники из Artmajeur
Описывая две посторонние картины чуть выше, начиная с первой, «Я смотрю на солнце» — это полотно, в котором доминирует загадочный персонаж, черты которого переданы посредством сочетания абстрактного и синтетическо-фигуративного стилей. Действительно, лицо объекта было нарисовано грубыми, почти детскими линиями, заполненными слоями темных и тревожных цветов, дополненными красными акцентами, призванными привлечь внимание зрителя. В нижней части работы мазки, нанесенные на туловище персонажа, становятся весьма неистовыми, создавая видимость какофонии оттенков, вероятно, намекая на более скрытые потоки, которые волнуют человеческую грудь.
Только что проиллюстрированный богатый язык служит синтезу технических навыков и философии создателя, который выделяется своим талантом улавливать мимолетные моменты эмоций и мыслей, чтобы заморозить их на холсте и медитативно вовлечь зрителя. Действительно, необработанный стиль художника напрямую приводит нас к размышлениям о нашем личном пути самопознания, а также о путях поиска личной свободы.
Наконец, Марк Э. Де Розье — мультидисциплинарный художник-самоучка из острова Иль-о-Кудр (Канада), чье искусство в первую очередь движется между преднамеренным и случайным, а также между контролем и хаосом, погружая нас в поток сознания. это выливается во внутреннюю динамику разума, выраженную в образном повествовании.
Вторая работа — «Sconvolgi la tua Realtà» Бразо, полотно, на котором главная фигура, большая по размеру и расположенная в центре опоры, предстает как сюрреалистическая сущность, запечатленная во время, по-видимому, занятого каким-то безумным танцем. Эта фигура, выполненная в розовом, оранжевом и красном цветах, выделяется на ярко-желтом фоне, который в нижней части переходит в безмятежный синий. Сцена обогащена присутствием рыб, возможно, даже немного кусающих, а также некоторых символов, призванных сражаться в унисон, чтобы привлечь внимание зрителя. Однако назначение композиции раскрывает текст, появившийся в левой части полотна, повторяющий одно и то же название и буквально призывающий нарушить реальность.
Каждый из стилистических элементов, которые мы только что упомянули, следует понимать как свидетельство отсутствия академических ограничений, призванных отдавать приоритет только инстинкту и творческой свободе. Действительно, Бразо, итальянский художник, родившийся в 1964 году, учился, черпая вдохновение у великих мастеров экспрессионизма, которых он затем инстинктивно интерпретировал, комбинируя различные стили, в первую очередь стили уличного искусства и ар-брют, которые он смешивал с исключительным мастерством.
АЛЕКСАНДР БАЛБЫШЕВ «ДЕМОН ЗАКАТА» ИЗД. ПРИНТ 0150 (2022)Эстамп Александра Балбышева
Artmajeur и квир-искусство
Что такое квир-арт?
Квир-арт, также известный как искусство ЛГБТ+, включает в себя современное изобразительное искусство, которое опирается на темы и проблемы, актуальные для лесбиянок, геев, бисексуалов, трансгендеров и более широких негетеросексуальных и нецисгендерных сообществ. Этот художественный жанр часто бросает вызов обычным взглядам, предлагая утопические и антиутопические альтернативы, иногда исследуя темы, связанные с сексуальностью и неортодоксальными желаниями.
Работы квир-художников не придерживаются какого-то одного стиля или направления, а охватывают широкий спектр выражений, начиная от перформанса и заканчивая живописью и не только. Вариации также возникают в зависимости от культурного, национального и религиозного контекста, влияя на восприятие разнообразных художественных запросов, которые могут как прославляться, так и подвергаться цензуре.
История квир-искусства включает в себя закодированные представления в эпохи, когда открытое выражение было опасно. Например, в межвоенный период квир-художники в таких городских центрах, как Париж и Берлин, начали более открыто выражать свою идентичность. Историк искусства Джонатан Дэвид Кац интерпретирует некоторые работы таких художников, как Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс, как содержащие странные подтексты, намекающие на гомосексуальную идентичность художников.
Более того, на движение квир-арта значительное влияние оказал активизм, особенно во время кризиса СПИДа, когда искусство стало формой протеста и средством пропаганды перемен. Такие мастера, как Кейт Харинг, использовали свои работы для повышения осведомленности и борьбы со стигматизацией, связанной со СПИДом.
В заключение, квир-искусство — это динамичная и развивающаяся область, которая не только отражает опыт и борьбу представителей ЛГБТ+, но также бросает вызов и расширяет границы художественного самовыражения.
ТИГРЕ ДЕ ТАСМАНИЯ (LES ÉVACUATIONS) (2019)Картина Николаса Гея
ЧУДО-ЖЕНЩИНА (2021), фотография Starmonkeyz
Какие-то странные художники из Artmajeur
Сравнивая два только что упомянутых странных произведения искусства, а именно «Тасманский тигр» Николаса Гая и «Чудо-женщину» StarMonkeyz, они одинаково изображают субъектов, занятых темами идентичности и самовыражения, которые пересекаются с более традиционными социальными нормами, подходящими через разные среды и стилистический выбор.
«Тасманский тигр» — это картина, сочетающая городской асфальт с природными и мифическими элементами, изображающая карлика-трансгендера рядом с вымершим тилацином, на фоне строгого фона индустриальной стальной двери и светло-серой булыжники, обведенной черным контуром. Вышеупомянутые городские элементы могут символизировать жесткие структуры общества, в то время как фигуры гнома и тылацина говорят о необычной дружбе, предполагая общий опыт существования, выходящий за рамки общепринятого признания.
С другой стороны, «Чудо-женщина» от StarMonkeyz — это фотография, которая подрывает традиционные образы, связанные с гламуром и фигурами в стиле пин-ап поп-культуры, намеренно изображая мужского персонажа, одетого как супергероиня. При этом сила и уязвимость сопоставляются, бросая вызов каноническим ожиданиям зрителя относительно пола и героизма. Таким образом, произведение искусства можно интерпретировать как размышление над перформативными аспектами гендера и силой использования знаковых символов для личных или политических заявлений.
Обе работы действуют в сфере подрывной деятельности, но идут разными путями. Гей использует более приглушенную палитру и смесь реализма с фэнтези, чтобы прокомментировать опыт гомосексуализма и проблему разнообразия. И наоборот, StarMonkeyz использует яркие цвета, прямое взаимодействие и игривые элементы, чтобы бросить вызов предвзятым представлениям о женственности и идентичности, с живым духом прославляя красоту различий.
НАРОДНЫЙ ТАНЕЦ 11 (2022) Картина Уттама Манны
Художники Artmajeur дают новое определение народному искусству
Что такое народное искусство?
Народное искусство включает в себя широкий спектр изобразительного искусства, созданного в контексте массовой культуры. В отличие от изобразительного искусства, которым часто занимаются в официальных учебных заведениях, народное искусство обычно создается людьми, обученными в традициях своего сообщества. Этот метод передачи знаний помогает поддерживать преемственность форм культурного самовыражения из поколения в поколение. Фактически, создатели народного искусства обычно глубоко укоренены в своих культурных традициях, создавая произведения, отражающие ценности, социальные нормы и коллективный опыт своих сообществ.
Народное искусство может быть как материальным, так и нематериальным: от физических предметов, таких как текстиль, керамика и резьба по дереву, до таких практик, как танцы, музыка и рассказывание историй. Материальные аспекты народного искусства часто носят утилитарный характер, созданы для удовлетворения повседневных потребностей и ценятся как за свои эстетические качества, так и за свою функциональность. Как только первоначальная цель этих объектов исчезнет, их дальнейшее производство может зависеть от их значимости в обществе, часто со временем приобретая новые значения.
Наконец, народное искусство, являющееся жизненно важным выражением общины и культурной самобытности, безусловно, дает представление о социальных и исторических контекстах, из которых оно возникает, поскольку оно неразрывно связано как с прошлым, так и с настоящим, подчеркивая разнообразие и изобретательность народных традиций вокруг. мир.
«ЭССЕ ОТРАЖЕНИЕ» БОЛЬШАЯ СОВРЕМЕННАЯ ЖИВОПИСЬ АКРИЛОВЫМ (2023)Картина Юлии Чайки
ЛЕСНЫЕ ЛИНИИ (2023)Картина Лорены Яворски
Некоторые народные художники из Artmajeur
Два народных произведения выше, «Отражение эссе» Юлии Чайки и «Линии леса» Лорены Яворски, богаты культурными отсылками и пропитаны сущностью их происхождения, Украины и Румынии.
«Отражение эссе» рассказывает об украинской культуре через присутствие ее главной героини, украшенной элементами, напоминающими народный костюм страны, известный своей богатой вышивкой и использованием смелых мотивов, которые также повторяются на заднем плане. На самом деле узор платья мог быть отсылкой к вышиванке – предмету одежды, отличавшемуся замысловатыми узорами.
Яркий синий цвет на холсте, возможно, намекает на голубое небо, возвышающееся над обширными пшеничными полями страны, — символ плодородия и процветания. Кроме того, многослойность рук и детальное внимание к орнаменту на фигуре, кажется, отражают важность мастерства и коллективных усилий в украинских народных традициях.
«Линии леса», напротив, говорят о румынской культуре, отражая ее народные костюмы и богатые традиции через изображение задумчивой девушки в платке, напоминающем типичную для страны «басму», часто украшенную цветочными мотивами. Кроме того, способ завязывания этого аксессуара может указывать на конкретный регион Румынии, в частности, на северо-восточную часть страны, включая историческую область Молдавию.
Земляные тона и фон лесного ландшафта могут символизировать связь с природой, преобладающую в румынском фольклоре и сельском образе жизни, которая сформировала культурное наследие страны. Эти же тона могут также отражать торжественность и глубину румынской народной музыки и танцев, которые часто выражают радости и печали жизни.
АЗИАТСКИЙ СТЕРЕОТИП (2018), фотография Starmonkeyz
Ломая барьеры: роль искусства в борьбе с расизмом
Об искусстве и расизме
Искусство уже давно стало зеркалом, отражающим социальные проблемы и конфликты своего времени, а расизм стал одной из наиболее устойчивых и распространенных тем, исследуемых посредством творческого выражения. На протяжении всей истории искусство не только изображало расовые конфликты и неравенство, но также было инструментом, позволяющим бросить вызов и критиковать глубинные предрассудки и системную несправедливость, которые увековечивают дискриминацию.
В более широком смысле искусство против расизма подвергает сомнению и разоблачает существующие в обществе предрассудки, иллюстрируя, как укоренившиеся стереотипы могут влиять на восприятие и обращение с различными расовыми и этническими группами. Художники разного происхождения использовали свою работу, чтобы разоблачить эту несправедливость, инициировать диалог и способствовать взаимопониманию между различными сообществами. Их работы служат катализаторами социальных перемен, побуждая зрителей задуматься о своем собственном мнении и рассмотреть более широкие последствия расизма для общества.
На конкретном примере американского движения за гражданские права мы видим случаи, когда искусство играло фундаментальную роль в освещении борьбы афроамериканцев в 1950-х и 1960-х годах, в период, отмеченный жесткой расовой сегрегацией и дискриминацией. Можно процитировать картину Дэвида К. Дрискелла «Се, сын твой» (1956), созданную в ответ на жестокое линчевание Эммета Тилля, молодого афроамериканского мальчика. Шедевр действительно изображает Тилля как мученика, черпая вдохновение из самой известной религиозной иконографии Христа. Эта мощная ассоциация привлекает внимание к крайнему насилию, от которого страдают афроамериканцы, и служит наглядным призывом к переменам и признанию их человечности.
Точно так же абстрактная картина Нормана Льюиса «Вечернее свидание» (1962) тонко обращается к ужасу встреч Ку-клукс-клана, принимая вид угрожающих форм и цветов, способных предположить присутствие этой группы сторонников превосходства белой расы, вызывая мрачные размышления о ненависть и страх пропагандируются под прикрытием национализма.
В современном контексте роль искусства в обсуждении расизма остается решающей. После убийства Джорджа Флойда в 2020 году — события, которое вызвало глобальные протесты против жестокости полиции и расовой несправедливости — такие художники, как Бэнкси, ответили шедеврами, которые отражали момент. На работе художника изображен флаг США, зажженный свечой бдения, что намекает на сохраняющуюся расовую напряженность в Америке.
Таким образом, ясно, как искусство продолжает бросать вызов, задавать вопросы и вдохновлять диалог о расизме, иллюстрируя его влияние и стремясь к более справедливому обществу. Кроме того, арт-медиа не только предлагают размышления о настоящем времени, но также видят и предлагают реализацию будущего, в котором будут достигнуты расовое равенство и справедливость. Фактически, именно через творческую вселенную мы можем получить более глубокое понимание реалий расизма и продолжающейся борьбы с ним, делая живопись, скульптуру и т. д. незаменимыми союзниками в стремлении к равенству.
МК СНОВА РАСИЗМ (2023) Картина Гектора О’Канина
AÇO NO PEITO / BULLET IN THE CHEST (2017)Коллажи Чаго Мартинша
Некоторые художники Artmajeur против расизма
Что касается «Снова расизма» Гектора О’Канина и «Aço no peito / пуля в груди» Чаго Мартинса, оба, похоже, осуждают расизм, хотя и с помощью разных художественных выражений и средств, отражающих уникальные влияния и контексты.
Первая работа, насыщенная яркими цветами и написанными словами, синтезирует грубый и спонтанный стиль работ Баскии, характеризующийся свободным фигуративизмом, способным интегрировать формы, цвета и текст для создания мощной и выразительной композиции. Следуя по стопам этого мастера, Гектор О’Канин дает современный ответ на сохраняющиеся проблемы расизма, во многом так же, как это сделал в свое время вышеупомянутый американский художник. Однако в случае с «Снова расизм в МК» это намерение становится явным благодаря включению слова «СУДЬЯ», повторяющегося на холсте, вероятно, относящегося как к судебной системе, так и к общественному мнению. Другие каракули, символы и предметы между фигуративными и абстрактными могут представлять хаос и сложность расовых проблем, призванные продолжать предлагать созерцательный подход к хаосу социальной несправедливости.
Второе произведение, черно-белый коллаж Чаго Мартинса, представляет собой другую трактовку той же темы: две фигуры с затуманенными глазами, что намекает на метафорическую слепоту или вынужденное неузнавание. Монохроматический тон, использование исторических фотографий и чистая эстетика создают сильную визуальную аналогию, символизирующую всех, кого заставляют замолчать и угнетают. Произведение описывается как ответ на различные формы дискриминации, включая расовую дискриминацию, и является воплощением борьбы, с которой сталкиваются те, кто живет в условиях социальных потрясений. Это также говорит о сопротивлении и устойчивости сообществ, образующих новые «киломбо», места убежища и солидарности перед лицом невзгод. Все это можно резюмировать поэтическими словами, процитированными художником: «Наши люди, которые знают угнетение под бременем расизма, безработицы, «дубинок, собак, бомб», тюрем, свидетельствуют о неэффективности дебатов, суливших горизонты в Наше поведение, наша поэзия, наша проза, наше настоящее обязательно воинственны. Сталь в груди — это синтез и отчет тех, кто живет в эпицентре бури. девятая власть».
