Знакомство с мужским ню
Обнаженная женская фигура с самого начала человеческой цивилизации находилась в центре художественно-исторического повествования, которое, в некотором смысле, более допускало экстернализацию этого типа телесности по сравнению с обнаженной мужской натурой, которая часто воспринимается как более незаконное и сбивающее с толку, то есть способное взволновать душу зрителей. Тем не менее, величайшие мастера всех времен, в основном мужчины, прославляли обнаженное мужское тело по-разному, благоговейно или эротично, выстраивая образное повествование, простирающееся от самых древних цивилизаций до наших дней, временной отрезок, в котором такой субъект превратился из бога в простого «грешника». Такая иконографическая эволюция обнаженного мужчины, часто символа силы, могущества и мужественности, а также красоты, уязвимости и сексуальной интриги, происходила в рамках повествования, достигающего вершин экстернализации от Древней Греции до наших дней. раз. До этой ранней цивилизации рассматриваемый субъект обычно принимал форму спортсмена или бога, поскольку греки представляли свои божества как человеческие существа, чьи идеализированные качества физической красоты были неразрывно связаны с добротой души. Эта тенденция резко трансформировалась в Средние века, в исторический момент, когда, как и ожидалось, нагота даже стала греховной и постыдной, поскольку она ассоциировалась с первородным грехом и, таким образом, могла превратить иконографию более классических возвышенных и похотливых тел в довольно легкие и стройные физиономии, лишенные прежнего акцента на натурализм. Следующим моментом был Ренессанс, когда возродился обновленный классицизм в искусстве, тенденция, благодаря которой жанр обнаженной натуры стал возможностью продемонстрировать не только чрезвычайно эффектные тела, но и техническую виртуозность художников. Последующее учреждение художественных академий по всей Европе, которое имело место в 16-м и 18-м веках, привело к несколько регламентированному и классифицированному стилю изображения обнаженной натуры, который должен был быть воплощен над техникой рисования, считавшейся в то время центральным элементом искусства. художественное образование, в котором указанный жанр был увековечен в героических композициях, где он взял на себя роль сильного и чрезвычайно мужественного персонажа. Довольно «натуралистические» тенденции конца 18-го и 19-го веков приводят к концу последнего периода к реализму Курбе и Милле, точкам зрения, в которых идеализированные люди уступают место более реальным фигурам. Настоящая революция приходит, однако, с авангардом 20-го века, моментом, с которого тело, а также окончательно отходя от академического языка, становится фрагментированным в видении Пикассо или предстает сильно измученным в видении Шиле, навсегда отказывающимся от верности. к реальным данным. Дальнейшие и личные точки зрения появляются с сериализацией поп-арта и языка уличного искусства, движений, которые окончательно объединили многочисленные и оригинальные точки зрения, с которыми и по сей день изображается мужское тело. Наконец, путь, который проходит мужское обнаженное тело в бесконечном повествовании истории искусства, будет исследован с помощью следующей классификации, целью которой является сбор лучших изобразительных образцов жанра.
Александр Кабанель, Падший ангел, 1847. Холст, масло, 121×190 см. Музей Фабра, Монпелье.
Десятка лучших: мужские обнаженные картины
10. Александр Кабанель, «Падший ангел» (1847)
Александр Кабанель, французский художник-историк и жанровый портретист, родившийся в 1823 году, создал этот холст маслом в 1847 году, в результате чего получился шедевр, направленный на то, чтобы выразить самые глубокие и самые низкие человеческие чувства, поскольку он увековечил восстание Люцифера, который, изгнанный с неба, чувствовал крайнюю обиду на Бога-отца. Эта эмоция оживает в классическом теле, идеально подходящем для придания формы тексту книги пророка Иезекииля, в которой ангел описывается как существо совершенной красоты. Несмотря на такие статные черты, которые также представляют собой внушительные откинутые крылья, настоящими героями картины оказываются глаза чучела, которые, подчеркнутые правой рукой, частично закрывающей лицо главного героя, кажутся чрезвычайно острыми, заряженными. с гневом, негодованием, а также мокрыми от страдания слезами, которые говорят нам о том, как Люцифер, хотя и страдает, не собирается сдаваться, но оказывается весьма жаждущим удовлетворить свое желание мести, выступая против дела Божия. На самом деле, очень библейское повествование в Ветхом Завете рассказывает о том, как Люцифер, самый прекрасный и мудрый ангел, созданный Богом, был низвергнут из рая в глубины преисподней, воплотив в своем плаче последний остаток своей доброты, которая дала путь к бесконечно заряженной ненавистью, злобой и обидой.
Питер Пауль Рубенс, Прикованный Прометей , 1611-1612 гг. Холст, масло, 243,5 см × 209,5 см. Художественный музей Филадельфии.
9. Питер Пауль Рубенс, Прикованный Прометей (1611-1612)
Шедевр фламандского мастера, датируемый между 1611 и 1612 годами, в котором динамичное и страдающее обнаженное мужское тело оказывается бесспорным главным героем, является результатом многочисленных влияний, ассимилированных художником, который черпал у Тобиаса Верхахта основы пейзажной композиции. на заднем плане, в то время как мифологическая сцена перенесла модель Адама ван Ноорта, известного портретиста обнаженных тел и безудержных изображений голландской жизни. Однако композиция в целом напоминает иконографию исторической живописи, которой Рубенс мог восхищаться, когда работал с Отто ван Вином, породив фигуру Прометея в ракурсе, расположенную близко к зрителю, также видит цитирование классических моделей и, в частности, греческой театральности. Однако не следует упускать из виду и то влияние, которое на упомянутый шедевр оказала и итальянская живопись, ссылаясь на урок Сикстинской капеллы Микеланджело, тенебризм Караваджо и формы Тициана. Наконец, мучения Прометея, персонажа мифологии, являющегося главным героем произведения, хорошо иллюстрирует стихотворение Липсиуса, друга брата Рубенса, писавшего: «Здесь крючковатым клювом зарывается в печень Прометея, которому нет покоя от его мук, ибо снова и снова свирепая птица приближается к его обновляющейся груди и нападает на него с карающей манерой […] Казалось бы, она шевельнется, что ее перья затрепещут. Ужас охватывает зрителей».
Один из многочисленных обнаженных мужчин Пьера и Жиля @pierreetgilles_gilles.
8. Пьер и Жиль, Меркьюри (2001)
И снова, как и в приведенном выше шедевре, обнаженная натура воплощена в искусстве через ссылку на совершенное тело персонажа, взятого из греческой традиции, в данном случае божество: Меркурий, посланник, изображенный сзади, с очертаниями лица в взгляд, когда он наблюдает за змеей, которая обвилась вокруг его посоха. Именно такое животное, при этом, перепрофилирует более классическую иконографию кадуцея или крылатого посоха, который традиционно сопровождает посланника богов. Говоря о Пьере и Жиле, с другой стороны, пара французских художников воплотила в жизнь вышеупомянутую работу с помощью операции в четыре руки, в которой первый из двух создает фотографии, а второй ретуширует их последовательными слоями. красок, призванных вдохнуть жизнь в образы, которые, проработанные до мельчайших деталей, часто отсылают к мифической и религиозной иконографии, переосмысленной с неуемной чувственностью и в высшей степени китчевой точкой зрения. Темы, к которым обращается дуэт, в основном поп-музыка, связанная, в частности, с гомосексуализмом, порнографией и религиозными топосами, переосмысленными в «барочном» ключе. Что касается истории искусства, то чрезвычайно известным шедевром, изображающим вышеупомянутое део, является статуя Джамболоньи «Летящий Меркурий», которая, хранящаяся в музее Барджелло во Флоренции, изображает вышеупомянутый предмет, опираясь левой ногой на ветер, создаваемый Зефиром. ‘ рот.
Жан-Ипполит Фландрен, «Молодой обнаженный мужчина, сидящий у моря» , 1835–1836 гг. Холст, масло, 98 см × 124 см. Лувр, Париж.
7. Жан-Ипполит Фландрен, «Молодой обнаженный мужчина, сидящий у моря» (1835-36)
На седьмом месте мы находим шедевр одного из главных неоклассических представителей Лионской школы, французского мастера Жана-Ипполита Фландрена, который в картине «Молодой обнаженный мужчина, сидящий у моря» изображает обнаженного юношу, обхватившего ноги руками. как он сидит на скале у моря, окруженный экспансивным небом. В этом контексте уместно подчеркнуть, как лицо главного героя, неопознаваемое и находящееся в полумраке, приводит зрителя к узнаванию себя в модели, чье отношение призвано стимулировать воспоминание и обособленное размышление, которое реализуется через закрытие его глаза. Продолжая тему работы, примечательно, что она была сделана в Риме, то есть во время ознакомительной поездки художника после его победы на Римской премии в 1832 году. Французские искусствоведы остаются одной из самых известных работ Фландрена, настолько, что впоследствии ее интерпретировали такие фотографы, как Вильгельм фон Глоден, Клод Кахун и Роберт Мэпплторп. Наконец, молодой обнаженный мужчина, сидящий у моря, также известен тем, что с 20 века он стал популярным символом гомосексуальной культуры.
Эгон Шиле, Сидящий обнаженный мужчина (Автопортрет) , 1910. Вена, Музей Леопольда.
6. Эгон Шиле, Сидящий обнаженный мужчина (Автопортрет) (1910)
К экспрессионистской интерпретации обнаженной натуры мы пришли через анализ шедевра Шиле, мастера, известного тем, что интерпретировал этот жанр через многочисленные автопортреты, часто отмеченные изображением экстремального образа художника, запечатлевшего себя в дерзкие и вызывающие позы, в которых он из-за своего худощавого, скрюченного и напряжённого тела принимал неуклюжую, вынужденную позу и причудливые жесты, приближавшие его скорее к подобию бездыханного буратто, чем к человеку. Что касается работы 1910 года, то она, хранящаяся в музее Леопольда в Вене, была создана с помощью сильного и декадентского экспрессионистского мазка, который создает фигуру художника, чьи прямые и решительные линии описывают мускулы и грудь мужчины без ноги, намереваясь плавать на белом фоне. Кроме того, неестественное искривление тела в сочетании с зелеными, желтыми и коричневыми тонами его кожи делают черты Шиле несколько неестественными или характерными для состояния болезни или бедствия. Что касается последней точки зрения, то рассматриваемый шедевр фактически предвосхитил конец дней художника, который почти пророчески скончался через несколько лет в возрасте 28 лет, пораженный испанским гриппом, опустошившим Вену в 1918 году.
Люсьен Фрейд, «Обнаженный мужчина» , вид сзади, 1991-92. Холст, масло, 182,9 × 137,2 см. Нью-Йорк, МЕТ. @lucianfreudart.
5. Люсьен Фрейд, «Обнаженный мужчина, вид сзади» (1991–92)
С позиции номер пять мы подходим к немецкому неоэкспрессионизму, занимаясь анализом «Обнаженного мужчины», «Вид сзади», работы Люсьена Фрейда, в которой стилистические черты мастера часто направлены на создание интенсивных композиций, способных раскрыть человечность и физическое присутствие. резюмируются изображения, в данном случае резюмированные в чертах Ли Бауэри, модели для рассматриваемого шедевра. Несмотря на реализм Фрейда, он изобразил вышеупомянутого субъекта, известного своими экстравагантными костюмами и гримом, без какой-либо одежды, как будто он сидит на корточках на табурете, поставленном в мастерской художника. Во всяком случае, верность действительности была достигнута благодаря точности, с которой немецкий живописец передал мясистую спину чучела, которая, полная «холмов» и «бугорков», как бы кричит собственные слова художника об упомянутом выше живописный жанр: «Я хочу, чтобы живопись была плотью». Именно последние слова позволяют нам уточнить стилистические особенности художника, произведения которого, отличающиеся крайним реализмом и навязчивым поиском реальных данных, изображали, иногда в неестественных позах, чтобы усилить детали, часто преувеличивая их, друзей, родственников, знакомых и домашних животных.
Уильям Этти, Обнаженный мужчина с поднятыми вверх руками , 1828-1830 гг. Масло на борту. York Museums Trust (Йоркская художественная галерея).
4. Уильям Этти, Обнаженный мужчина с поднятыми вверх руками (1828-1830)
Я предлагаю вам представить себе гигантскую тушу быка, подвешенную нижними конечностями к деревянной опоре, при этом она выделяется в тускло освещенной среде благодаря откровенности и величию своей плоти. Теперь, когда вы видите описанную мной сцену, у многих из вас она уже ассоциируется с известным «Зарезанным быком» Рембрандта, произведением 1655 года, в котором несчастное животное также могло быть истолковано как своего рода жертвенный агнец. Расположение конечностей последнего может также напоминать положение страдающего и, возможно, раскаявшегося главного героя «Обнаженного мужчины с поднятыми вверх руками», обнаженного тела, нарисованного Уильямом Этти. На момент написания этого портрета, датируемого примерно 1828 годом, художник, несмотря на свой высокий статус, продолжал учиться в Королевской академии, и контекст, в котором обнаженный мужчина с раскинутыми вверх руками, возможно, предназначался для того, чтобы висеть горизонтально в качестве модель на спине, хотя это скорее этюд к Снятию с Креста. Наконец, говоря об упомянутом британском художнике, он был известен своими историческими картинами с обнаженными фигурами, слишком часто обвиняемыми в непристойности.
Жак Луи Давид, Обнаженный мужчина, известный как Патрокл , 1780.
3. Жак Луи Давид, Обнаженный мужчина, известный как Патрокл (1780)
Патрокл, картина неоклассического художника Жака Луи Давида, написанная в 1780 году и в настоящее время хранящаяся в Музее Томаса Анри в Шербуре (Франция), представляет собой произведение, которое многие восприняли как этюд, поскольку в нем отсутствуют детали лица, а также другие детали. элементы композиции, направленные на размещение лежащего спиной к зрителю человека. Обнаженная натура, задуманная для демонстрации внушительного телосложения, а также позволяющая художнику продемонстрировать свои технические навыки, тщательно использует освещение, чтобы подчеркнуть каждый аспект изображаемой фигуры. Вышеупомянутый жанр в рамках направления неоклассицизма, одним из основных представителей которого был Давид, следует понимать как необходимый инструмент для упражнения и совершенствования руки художника в понимании человеческого тела, даже если на начальном этапе этого процесса рисунок должен был быть предпочтительнее изобразительного искусства. Наконец, необходимо сообщить некоторые основные концепции неоклассицизма, поскольку только последний даст нам полное прочтение вышеупомянутого французского шедевра. Таким образом, рассматриваемое художественное направление искало прекрасное и идеальное, ссылаясь на греческое искусство, которое так усердно работало над созданием сдержанных, спокойных произведений с элегантными формами и далекими от причудливой и экстравагантной виртуозности, которые должны быть получены путем рационального исследования. , который должен был стремиться к простым формам, отличающимся почти идеализированной грацией, уравновешенностью и хладнокровием.
Караваджо, Amor vincit omnia, 1601-1602 гг. Холст, масло, 156х113 см. Галерея драгоценностей, Берлин.
2. Караваджо, Amor vincit omnia (1601-1602)
Под номером два он не мог не поставить художника калибра Караваджо, создателя Amor vincit omnia, картины, на которой итальянский живописец изобразил юного обнаженного Купидона с торжествующим выражением лица, в то время как тот пойман с распростертыми крыльями, луком и связка стрел в руке, традиционные символы его власти. Триумф последних атрибутов также подтверждается орудиями войны, лежащими теперь на земле, как если бы они были побеждены действием благороднейшего из чувств: любви. Продолжая описание полотна, если положение ног чучела напоминает Сан-Бартоломео в «Страшном суде» Микеланджело, то детское выражение Любви, полное анаграмматической двусмысленности, напоминает пример ликов Леонардо да Винчи. Таким образом, эти два мастера, вероятно, вдохновили Караваджо на самый романтический сюжет всего произведения, нацеленного, как и предполагалось выше, на представление аллегории силы любви, переданной в стиле барокко, способной изображать реальность в натуралистическом ключе и драматичном по своей сути. в то же время. Наконец, причины, по которым художник выбрал этот сюжет, могли быть связаны с тем, что Караваджо мог быть вдохновлен стихами Вергилия о любви в Буколиче, или он просто хотел удовлетворить просьбы своего генуэзского клиента Винченцо Джустиниани, исторического покровителя художник .
Микеланджело, «Сотворение Адама» , 1511 г. Фреши, 280 см × 570 см. Cappella Sistina, Musei Vaticani, Ватикан.
1. Микеланджело, «Сотворение Адама» (1511 г.)
На верхней ступеньке подиума мы видим еще одного итальянца, а также одного из самых важных художников всех времен, бессмертного Микеланджело Буонарроти, автора «Сотворения Адама», фрески культовой Сикстинской капеллы (Ватикан, музеи Ватикана). , в котором Бог расположен с правой стороны, подвешенный внутри нимба, поддерживаемого ангелами и херувимами. На противоположной стороне опоры находится интересующая нас обнаженная натура, направленная на изображение Адама, прародителя человечества, лежащего, растянувшись на лугу, помещенного на травянистый склон, помещенного на лишенный деталей фон. Решение поставить этого последнего персонажа на первое место в рейтинге исходит из того факта, что обнаженный Адам, намереваясь приблизить свои пальцы к пальцам Бога-Отца, совершает один из самых знаковых жестов в истории искусства. . Относительно этого последнего движения известно, что Микеланджело хотел увековечить момент, когда Творец, который вот-вот вступит в физический контакт со своим созданием, делает все возможное, чтобы передать в него искру жизни. Наверняка, итальянского мастера вдохновляла фраза из Бытия: «Бог создал человека по образу Своему, так как два сотворенных им тела очень похожи, т. е. и крепки, и крепки. и Бог на самом деле удалялись друг от друга?В этом случае первый человек на земле уже вступил бы в самостоятельную жизнь, удерживая свой взор на Боге, как ребенок, который, учась ходить, неоднократно оборачивается, глядя за уверенный взгляд отца.
