Фрида Кало, Раненный олень, 1946 год. Масло, масонит. Частная коллекция.
Какие художники приходят на ум, когда я упоминаю Южную Америку? Могу поспорить, вы уже представляете себе знаменитую монобровь Фриды Кало, ее очаровательные усы, целующие губы другого известного художника: Диего Риверы. Возможно, вы также представляете себе красивых, полных женщин Фернандо Ботеро, отличающихся и уникальных благодаря своим преувеличенным формам, которые провозглашают концепцию универсальной красоты и вызывают радостную улыбку на вашем лице. Но ждать! Не останавливайтесь на достигнутом. Вместе мы узнаем, что наряду с этими известными фигурами в истории южноамериканского искусства есть и другие незаменимые мастера, которых вам обязательно нужно знать в нашем топ-10!
1. Диего Ривера и мурализм: визуальный голос нации
Биография и стиль
Диего Ривера (1886-1957) — один из самых влиятельных художников 20-го века, известный как основатель мексиканского движения монументалистов. Значительные периоды времени он провел в Европе и США. Его самобытный стиль сочетает в себе современные европейские влияния и мексиканское доколумбовое наследие. Используя технику итальянской фрески, он затронул социальные и исторические темы, такие как социальное неравенство и судьба Мексики. Он предпочитал фрески из-за их публичной доступности и оказал влияние на общественное искусство в Соединенных Штатах. Ривера, марксист и член Коммунистической партии Мексики, использовал искусство, чтобы выразить свою политическую приверженность, изображая крестьян, рабочих и революционных деятелей, что часто вызывало споры.
Знаменитый шедевр: «Сон воскресного дня в парке Аламеда»
«Сон воскресного дня в парке Аламеда» прославляет мексиканский фольклор и историю народа, смешивая реальность и фантазию в сюрреалистической композиции. Ривера описал свою работу как сплав своих детских впечатлений в парке Аламеда с историческими эпизодами и фигурами. Среди изображенной на фреске толпы можно узнать выдающихся деятелей мексиканской истории, таких как Франсиско Игнасио Мадеро, лидер революции 1910 года.
В атмосфере теплого, окутывающего света Смерть ведет медленную процессию живых и мертвых по тропинкам парка. Выбор места действия именно этого места не случаен, а обусловлен тем фактом, что Ривера в детстве проводил там много времени со своей семьей. Действительно, у художника много воспоминаний об этом месте, вызванных здесь с оттенком тонкой меланхолии, возможно, обусловленной ностальгией по юности, воспринимаемой теперь как нечто далекое, подтверждаемой тем, что художник изобразил себя десятилетним мальчиком. мальчик.
Однако в центре произведения доминирует Калавера Катрина, культовая фигура-скелет, созданная гравером Хосе Гуадалупе Посада, чтобы высмеивать тщеславие европейской буржуазии и критиковать богатых мексиканских женщин, которые отказались от местных традиций, чтобы следовать европейской моде. Ривера увековечил эту фигуру шляпой с перьями и боа, отсылая к иконографии ацтекского божества Кецалькоатля, типичного символа коренных корней Мексики. В этом смысле художник использовал «Калавера Катрина», чтобы подтвердить национальную гордость и постоянное влияние доколумбовых традиций в современном обществе.
Рядом с этим главным героем Ривера изобразил себя, как упоминалось ранее, ребенком, держащим за руку знаменитую фигуру-скелет, а Хосе Гуадалупе Посада, на противоположной стороне, изображен предлагающим ей руку.
2. За пределами фресок: Руфино Тамайо и станковое искусство
Биография и стиль
Руфино Тамайо, родившийся 25 августа 1899 года в Оахака-де-Хуарес и скончавшийся в июне 1991 года в Мехико, был влиятельным южноамериканским художником и гравёром. В отличие от современников, таких как Диего Ривера, Тамайо избегал явных политических заявлений в своих работах, вместо этого сосредотачиваясь на продвижении личной свободы и универсальности искусства, за что получил прозвище «Международный мексиканец». Уникальный стиль Тамайо сочетал в себе элементы европейских авангардных движений (реализма, экспрессионизма, абстракции и кубизма) с доколумбовым наследием Мексики. Он отдавал предпочтение станковой живописи фрескам и использовал ограниченную, но мощную цветовую палитру, часто используя чистые цвета, такие как красный и фиолетовый, чтобы придать своим композициям большую силу и смысл. Кроме того, Тамайо разработал уникальную технику гравюры под названием «Миксография», известную тем, что придает тактильное качество его графическим работам.
Легендарный шедевр: «Женщины Теуантепека».
Одним из самых знаковых шедевров Руфино Тамайо является «Женщины Теуантепека», картина маслом, созданная в 1939 году. На работе изображены женщины сапотекской культуры, узнаваемые по деталям их одежды, красочной и оживленной обстановке, а также характерным тонам их цвет лица. Эта картина, в настоящее время находящаяся в МоМА, в соответствии с привычным для художника использованием цвета использует ограниченную и повторяющуюся палитру, которая подчеркивает контраст между приглушенными тонами одежды и лиц.
Наконец, «Женщины Теуантепека» — это мастерский пример способности Тамайо передать культурную самобытность через яркие образы обычных людей. Женщины, черты лица которых свидетельствуют о традициях, излучают силу и гордость, отражая достоинство мексиканской культуры коренных народов.
3. Фрида Кало: путешествие в душу через искусство
Биография и стиль
Магдалена Кармен Фрида Кало-и-Кальдерон родилась 6 июля 1907 года в Мехико. На ее жизнь серьезно повлияла тяжелая дорожно-транспортная авария в 1925 году, повлекшая за собой хронические физические травмы, которые глубоко повлияли на ее искусство. Фрида Кало, скончавшаяся в июле 1954 года в Мехико, оставила неизгладимое художественное и культурное наследие. Фрида Кало известна своими очень личными и запоминающимися автопортретами, исследующими темы идентичности, боли и женственности. Используя визуальный язык, включающий религиозные, мифологические и культурные символы, она изобразила физическую и психологическую боль с беспрецедентной искренностью и глубиной. Ее работы часто раскрывают внутренние органы, раны и страдания, предлагая грубый и интимный взгляд на состояние человека. Фрида также произвела революцию в представлении женственности в искусстве, выделив аспекты жизни, которые часто скрываются или считаются табу, такие как аборты и бесплодие.
Легендарный шедевр: «Две Фриды».
Картина «Две Фриды» (Las dos Fridas), созданная в 1939 году, является одной из самых известных и представительных работ Кало. На картине, хранящейся в Музее современного искусства в Мехико, изображены две версии художницы, сидящие рядом: одна Фрида носит белое европейское платье, символизирующее ее более уязвимую и раненую сторону, с открытым и кровоточащим сердцем. Другая Фрида одета в традиционное мексиканское платье, с неповрежденным сердцем на груди и маленькой фотографией Диего Риверы в правой руке.
Через эту композицию художница словно выражает свое эмоциональное состояние во время болезненного перехода от «до» к «после», от влюбленной Кало к своему новому «я», решившему развестись, несмотря на страдания. Две фигуры связаны не только жестом держания за руки, но и длинной веной, соединяющей их сердца, перерезанной хирургическими ножницами, из-за которых кровь капает на землю. Это символизирует большую утрату и сильную боль, вызванную чем? Очередным невыносимым предательством Диего, соблазнившего на этот раз сестру художника.
Тем не менее, двойной автопортрет подчеркивает не только одиночество художницы, но и ее стойкость и способность к возрождению, поскольку ее искусство становится средством исследования и выражения глубочайших эмоций, связанных с женственностью, любовью и страданием. Действительно, эта работа, несомненно, была для художницы способом исследовать две ее противоположные личности, объединенные ее сложными отношениями с Диего Риверой, кратко выраженными в собственных словах Кало: «Почему я называю его своим Диего? Он никогда не был и никогда не будет мой. Он принадлежит себе».
4. Тарсила ду Амарал: мать бразильского модернизма
Биография и стиль
Тарсила ду Амарал, родившийся 1 сентября 1886 года в Капивари, Бразилия, и умерший в январе 1973 года в Сан-Паулу, является ключевой фигурой бразильского модернизма. Выходец из богатой семьи, она изучала искусство в Европе и находилась под влиянием авангардных движений. Вернувшись в Бразилию, она в значительной степени сформировала художественную идентичность Бразилии 20-го века. Ее самобытный стиль сочетает в себе европейский кубизм с бразильскими мотивами и цветами, характеризующимися яркой палитрой и упрощенными формами. Ключевая фигура антропофагического движения, она стремилась по-новому интерпретировать европейские культурные влияния с точки зрения Бразилии. Ее модернистское искусство исследует темы национальной идентичности, природы и фольклора, часто включая сюрреалистические элементы.
Легендарный шедевр: «Абапору».
Одним из самых знаковых шедевров Тарсила ду Амарала является картина «Абапору», написанная в 1928 году. Она символизирует бразильский модернизм и вдохновила антропофагическое движение. На картине изображена стилизованная человеческая фигура с искаженными пропорциями, маленькой головой, длинной рукой и огромными ногами, сидящая рядом с кактусом. Название, которое на языке тупи-гуарани означает «человек, который ест людей», намекает на культурный каннибализм.
Название было предложено поэтом Раулем Боппом, и картина стала центральной в антропофагическом движении, целью которого было адаптировать иностранную культуру к бразильскому контексту. Первоначально она была написана как подарок на день рождения мужу Тарсилы, писателю Освальду де Андраде.
Наконец, «Абапору» отличается яркой цветовой палитрой и стилизованными формами, отражающими цель Тарсилы — синтезировать европейские влияния с бразильской оригинальностью.
5. Гений Ботеро: красота и ирония в преувеличенных формах
Биография и стиль
Фернандо Ботеро Ангуло, родившийся 19 апреля 1932 года в Медельине, Колумбия, и скончавшийся в сентябре 2023 года в Монако, был всемирно признанным колумбийским художником, скульптором и рисовальщиком, известным своим уникальным стилем «ботеризм». Его долгая и плодотворная карьера сделала его одним из самых уважаемых художников Южной Америки. «Ботеризм» характеризуется буйными, объемными формами, с фигурами людей и животных, а также предметами, изображенными округло и чувственно, часто с юмором и очарованием. Несмотря на критику в адрес того, что он всего лишь «художник толстых людей», искусство Ботеро охватывает широкий спектр тем, включая повседневную жизнь Колумбии, портреты, натюрморты, а также важные политические и социальные проблемы, такие как незаконный оборот наркотиков в Колумбии и нарушения прав человека со стороны Колумбии. Американские военные в Ираке.
Легендарный шедевр: «Смерть Пабло Эскобара».
Одним из самых знаковых шедевров Фернандо Ботеро является «Смерть Пабло Эскобара», написанная в 1999 году. Эта историческая картина, выполненная в типичном для Ботеро наивном стиле, изображает драматическое падение пресловутого колумбийского наркобарона Пабло Эскобара, используя характерный для Ботеро объемный стиль. изобразите его одновременно внушительным и уязвимым.
Картину можно интерпретировать по-разному: как ознаменование конца мрачного периода хаоса и коррупции в истории Колумбии, вызванного Эскобаром и Медельинским картелем, а также как критику жестокого правосудия и повсеместного насилия в борьбе с незаконным оборотом наркотиков. Ботеро представляет Эскобара трагически человечным, несмотря на его преступления, сочетающим техническое мастерство с глубокими социальными и политическими взглядами. Эта работа подчеркивает смелость Ботеро в решении сложных тем и его умение превращать важные исторические события в впечатляющее искусство.
6. Видение Вифредо Лама: кубизм, сюрреализм и африканские корни
Биография и стиль
Вифредо Лам, родившийся 8 декабря 1902 года в Сагуа-ла-Гранде, Куба, и умерший в сентябре 1982 года в Париже, Франция, был выдающимся художником, оказавшим влияние на современное искусство 20-го века с точки зрения мультикультурализма и деколонизации. Первоначально обучавшийся академическому искусству, позже он перенял европейские авангардные техники, разработав уникальный стиль, который отразил его кубинские корни и опыт работы в Европе и странах Карибского бассейна. Работы Лама объединили кубизм и сюрреализм с афро-кубинскими мотивами, охватывая такие традиции, как Сантерия. Его искусство послужило формой деколонизации, представив афро-карибские мотивы на международной художественной сцене и бросив вызов разделению западной цивилизации на «примитивное» и зрелое искусство. Его работы поддерживали движение Негритюда, стремящееся восстановить и возвысить африканскую идентичность вопреки историческому угнетению, колониализму и политике ассимиляции.
Легендарный шедевр: «Джунгли».
Самый знаковый шедевр Вифредо Лама «Джунгли» (1943) известен своим уникальным изображением фигур с лицами, напоминающими маски африканских или тихоокеанских островов, на фоне кубинского поля сахарного тростника. Эта картина призвана передать тревожные последствия рабства и колониализма на Кубе, используя яркую цветовую палитру и сложное сочетание человеческих, животных и растительных элементов в сюрреалистической композиции.
Выбор Ламом названия «Джунгли» отражает хаотичную и плотную реальность жизни на плантациях, символизируя смятение и угнетение, с которыми сталкиваются порабощенные рабочие. Джунгли служат метафорой лабиринта эксплуатации, страданий и сопротивления на плантациях.
Значение работы подчеркивается ее влиянием на французского писателя Пьера Мабиля, который сравнил ее важность с открытием перспективы Паоло Уччелло.
7. Освальдо Гуаясамин: мастер человеческого самовыражения
Биография и стиль
Освальдо Гуаясамин, родившийся 6 июля 1919 года в Кито, Эквадор, и умерший в марте 1999 года в Балтиморе, был всемирно известным художником и скульптором, известным своей глубокой общественной деятельностью. Он запечатлел человеческие страдания и устойчивость, заслужил многочисленные международные награды и стал ключевой фигурой в латиноамериканском искусстве 20-го века. Стиль Гуаясамина характеризуется интуитивным и драматическим выражением человеческой боли с использованием вытянутых, искаженных фигур с выразительными лицами. Под влиянием местных традиций и социальных реалий Латинской Америки он разработал уникальный визуальный язык, сочетающий элементы экспрессионизма с глубокой человеческой чувствительностью. В его работах преобладают темные и землистые тона, они подчеркивают драматизм и серьезность, уделяя особое внимание социальной несправедливости, войне и неравенству, используя свое искусство для осуждения и размышлений.
Легендарный шедевр: «Эпоха гнева»
Культовая серия шедевров Освальдо Гуаясамина «Эпоха гнева» (La Edad de la Ira) включает 130 картин, созданных на протяжении нескольких десятилетий и осуждающих ужасы войны и социальной несправедливости. Начатый в 1960-х годах и оставшийся незавершенным как свидетельство вечного конфликта, сериал иллюстрирует XX век как самую жестокую эпоху человечества, ссылаясь на Первую мировую войну, Гражданскую войну в Испании и Вторую мировую войну, среди других конфликтов.
Среди этих работ выделяется «Крик» (Эль Грито), написанный в 1976 году. На нем изображена фигура, искаженная в агонии, с непропорциональными формами и интенсивными красными оттенками, усиливающими эмоциональное воздействие. Эта картина ярко отражает всеобщие человеческие страдания и служит острым символом протеста против насилия и угнетения.
8. Из Чили в мир: Художественная революция Роберто Матты
Биография и стиль
Роберто Себастьян Антонио Матта Эчауррен, родившийся 11 ноября 1911 года в Сантьяго, Чили, и умер в ноябре 2002 года в Чивитавеккья, Италия, был известным чилийским художником и архитектором, известным синтезом европейской, американской и латиноамериканской культур. Будучи членом сюрреалистического движения и наставником абстрактных экспрессионистов, он развил личное видение, исследуя внутренний и внешний миры с сильным социальным сознанием. Работы Матты сочетают абстракцию, фигуру и многомерные пространства в сложные пейзажи. Первоначально являясь частью сюрреализма, он представил социальные и политические темы, создавая масштабные картины с геометрическими и биоморфными формами, которые трансформируются в динамичные фигуры. Его исследование бессознательного через абстрактные формы повлияло на абстрактный экспрессионизм, оказав влияние на таких художников, как Джексон Поллок и Роберт Мазервелл.
Легендарный шедевр: «Вторжение ночи».
«Вторжение ночи» (1941) Роберто Матты считается одним из его самых знаковых шедевров, демонстрируя уникальное сочетание сюрреализма и абстракции. Картина представляет собой сюрреалистическую и динамичную сцену, сочетающую сказочные пейзажи с эмоциональными жестами. Он представляет собой смесь геометрических и биоморфных форм, подвешенных в псевдокосмическом пространстве, создавая ощущение постоянного движения и трансформации. Инновационное использование Маттой нескольких перспектив повышает плавность композиции, приглашая зрителей исследовать яркие цвета, абстрактные формы и сюрреалистическую атмосферу, которая стирает грань между реальностью и фантазией.
Искусство Матты в «Вторжении ночи», известное тем, что раздвигает границы визуального восприятия, выходит за рамки традиционной физики, предлагая альтернативную реальность, в которой пространственные и временные нормы не действуют. Этому эффекту способствует его техника, характеризующаяся быстрыми мазками и многослойными цветами для придания глубины. Более того, картина углубляется в подсознание и психологию человека под влиянием теорий Фрейда и Юнга. Биоморфные и геометрические формы в произведении символизируют психические процессы и внутренние эмоции, а плавность композиции отражает поток мыслей и чувств.
9. Лигия Кларк и эволюция современного искусства.
Биография и стиль
Лигия Кларк (1920–1988) была ключевой фигурой в бразильском искусстве 20-го века, соосновательницей движения неоконкретизма. Она стремилась растворить границы между искусством и жизнью, продвигая интерактивный и чувственный опыт. Первоначально известная своими абстрактными картинами, она перешла к трехмерным формам, став пионером совместного искусства, где зрители физически участвуют в работе, чтобы завершить ее. Ее инсталляции часто требовали тактильного взаимодействия, трансформируя традиционный художественный опыт.
Культовый шедевр: «Descoberta da Linha Organica» (Открытие органической линии)
«Descoberta da Linha Organica» («Открытие органической линии») — один из самых знаковых шедевров Лигии Кларк, знаменующий поворотный момент в ее карьере: начало ее исследования трехмерного пространства и взаимосвязи между произведением искусства и телесным опытом зрителя. .
В картине Кларк использует термин «органический» не для описания биологических форм, а для обозначения линии, которая служит отверстием, через которое зритель может войти в произведение искусства. Эта органичная линия сравнима с функциональными линиями дверных коробок в архитектурном пространстве, служащими точками доступа и перехода. Вдохновленный работами Пита Мондриана, Эль Лисицкого и Казимира Малевича, работы Кларка превосходят их геометрическую абстракцию.
По словам самой художницы, ее работа — это попытка найти в картине органическое пространство, создать место, куда зритель может по-настоящему войти и прочувствовать произведение искусства.
10. Торрес-Гарсия и конструктивизм: универсальное искусство Латинской Америки.
Биография и стиль
Хоакин Торрес-Гарсия (1874–1949), влиятельный уругвайский художник и дизайнер, объединил европейское современное искусство с доколумбовой символикой. Проведя годы в Европе, он вернулся в Уругвай, основав влиятельную художественную школу и способствуя интеграции местного и современного искусства. Его стиль сочетает в себе элементы кубизма и неопластицизма с местной эстетикой, используя сеточную структуру и симметрию. Он основал движение «Универсальный конструктивизм», стремясь создать универсальный визуальный язык с простыми геометрическими формами и архетипическими символами.
Культовый шедевр: «Конструктивный универсализм»
Одна из самых знаковых работ Хоакина Торреса-Гарсиа — «Конструктивный универсализм», термин, охватывающий всю его художественную философию, а не одну картину. Среди этих работ выделяется «Конструктив с четырьмя фигурами» (1932) как шедевр, воплощающий универсальный конструктивизм.
В этой картине Торрес-Гарсия использует геометрическую сетку для структурирования холста, объединяя стилизованные фигуры и символы, представляющие универсальные темы, такие как человечность, женственность, солнце и луна. Композиция включает в себя простые формы, которые подчеркивают ее вневременное и универсальное качество, а элементы, вдохновленные доколумбовым искусством, закрепляют ее в культурном наследии Южной Америки.
В конечном счете, «Конструктив с четырьмя фигурами» иллюстрирует видение Торрес-Гарсиа искусства как языка, преодолевающего культурные и временные границы, иллюстрируя его веру в фундаментальное единство человеческого опыта.
